Le rédacteur en chef de Crumpa, Tyler Treese, s’est entretenu avec Avatar : la voie de l’eau la star Joel David Moore à propos de Avatar suite. Moore a discuté du style de réalisation de James Cameron et de la comédie classique culte de 2006 Le garçon de grand-mère.

« Se déroulant plus d’une décennie après les événements du premier film, Avatar : la voie de l’eau commence à raconter l’histoire de la famille Sully (Jake, Neytiri et leurs enfants), les ennuis qui les suivent, les efforts qu’ils font pour se protéger, les batailles qu’ils mènent pour rester en vie et les tragédies qu’ils endurent », dit le synopsis de la suite.

Tyler Treese : Qu’est-ce que ça fait de filmer et de voir enfin le produit fini pour la première fois ? Ça doit être presque écrasant.

Joël David Moore : Ouais. Vous savez, nous sommes une grande famille, donc nous en voyons des itérations en cours de route. La première itération que vous voyez est lorsque vous photographiez, n’est-ce pas ? Donc, quand nous sommes dans le monde de la capture de performances… c’est un peu bizarre à expliquer, mais il y a des caméras en dehors de la scène de capture de performances vers lesquelles vous pouvez regarder et voir votre propre Na’vi ou Avatar — dans mon cas, Avatar — sur cet écran. Et Jim Cameron a une caméra virtuelle avec une grosse boule devant, et le côté technique lui dit que c’est une caméra. Donc s’il pointe ça vers moi, il voit mon Avatar, ou s’il le pointe vers Zoe [Saldaña], il voit le Na’vi de Zoe, et il voit le monde entier qui nous entoure. Alors on a vécu ça… dans le premier, c’était un peu différent, tu sais ? Mais celui-ci… il y avait de meilleurs graphismes, mais c’est presque comme si vous regardiez la version Xbox, puis il itère à partir de là et au fur et à mesure qu’il est rendu, vous voyez la version 1920 × 1080, puis vous voyez le 2K, puis vous voyez le 4k.

Ainsi, lorsque le processus de rendu se produit – le processus de rendu est évidemment l’un des processus les plus longs du côté de la post-production – mais nous avons le sentiment dès les premières étapes, puis il devient presque net au fur et à mesure du rendu. J’ai donc pu voir environ 45 minutes de séquences rendues avant les premières. J’étais aussi époustouflé que n’importe qui d’autre. Vous ne le remarquez pas autant, mais si vous avez regardé le premier Avatar et le deuxième Avatar côte à côte, la richesse et la texture, la capacité de différencier chaque pixel sur l’écran, et l’arrière-plan et chaque Avatar, le mouvement de chaque Avatar, même dans l’arrière-plan lointain, lointain, est visuellement si parfait.

Vous n’avez jamais rien vu de tel que la quantité d’informations contenues dans chaque image de Avatar. Une partie de cela passe… pas inaperçue, mais il est difficile pour un public de tout comprendre car c’est un tel chef-d’œuvre visuel. C’est un manège à sensations fortes. Mais si vous revenez en arrière et le regardez… vous revenez en arrière et regardez le premier et regardez l’arrière-plan profond, profond, c’est génial. C’est le meilleur à ce moment-là. Mais si vous regardez l’arrière-plan profond, profond, chaque feuille, chaque petit Avatar dans le cadre, c’est tout simplement parfait. C’est vraiment spectaculaire.

Je pense que c’est aussi la raison pour laquelle nous voyons autant de visionnements répétés. Puisque vous êtes vous-même réalisateur, cela doit être une si belle expérience d’apprentissage, de voir comment fonctionne James Cameron. De toute évidence, vous ne filmez pas à la même échelle – personne ne l’est – comme James Cameron avec ses énormes superproductions, mais comment le voir travailler et son style vous a-t-il aidé avec vos films ?

Eh bien, aussi gros que soient ces films, lorsque vous êtes sur le plateau, c’est presque comme si vous reveniez au théâtre de la boîte noire du côté de la capture des performances. Il y a une grande scène grise. Vous devez imaginer ce qui vous entoure. Vous avez des caméras qui vous montrent virtuellement ce qui vous entoure. Bien sûr, Jim porte une caméra virtuelle qui parle aux caméras infrarouges au-dessus de vous et du côté technologique. Alors il peut nous voir, il peut voir nos Avatars ou dans le cas de Zoe ou Sam [Worthington]cas, leur Na’vis. Il peut voir chaque arbre et où se trouve le soleil. Il peut donc essentiellement filmer le tout et capturer ce qu’il veut voir à travers tout cela. Nous voyons différentes itérations de cela au fur et à mesure qu’il progresse vers le rendu.

Je pense donc que ce que nous en tirons, c’est toute l’expérience du tournage dans cet espace, mais ce dans quoi nous sommes en fait, c’est un peu comme une petite troupe de théâtre. C’est comme une petite troupe de théâtre qui arrive et qui doit imaginer tout ce qui l’entoure pendant qu’elle se produit. Donc, je ne dis pas que c’est la même chose qu’un film à petit budget, mais je dis que Jim aborde très intimement le côté réalisation, comme on le verrait également sur un film à petit budget.

Il y a un saut de temps dans Avatar 2 et Norm n’est pas aussi directement impliqué cette fois, mais vous voyez toujours qu’il a ce lien très profond avec Jake Sully. Quand les choses tournent mal, vous êtes la première personne qu’il appelle. Qu’aimez-vous le plus dans cette amitié et comment elle s’est transformée mais est restée forte au fil des ans ?

Eh bien, c’est exactement ça. Bien sûr, il y a beaucoup d’histoire devant nous pour que l’amitié reste forte à travers elle. Mais je pense que tu as raison. La relation que Sam et moi … quand nous avons commencé, c’était notre contentieux. Nous avons grandi dans la connaissance par la survie et la compréhension de notre passion et de notre dévouement à la planète Pandora… Je pense que nous réalisons vraiment qu’il y a juste un lien profond. Le sacrifice que nous avons fait tous les deux, évidemment le sien était un sacrifice physique, passant littéralement d’un corps à l’autre [and] devenir un Na’vi. Le mien est le sacrifice de ne pas partir avec tout le monde à la fin du premier, décider de rester sur la planète, décider de continuer le programme Avatar.

Mon personnage est en quelque sorte le dernier combat du programme Avatar. Tous les autres sont passés du côté des Na’vi, y compris le personnage de Sigourney Weaver qui revient sous le nom de Kiri, ce qui, je pense, est le chemin d’histoire le plus phénoménal de la suite, puis devant nous dans la franchise. C’est vraiment incroyable, juste la possibilité pour elle de revenir en tant que personnage, en tant qu’adolescente, vous savez ? Pouvoir juste agir c’est vraiment phénoménal. Donc, oui, je suis d’accord.

Son énergie juvénile est tout simplement incroyable.

Je sais, c’était tellement amusant à voir sur le plateau, tu sais ? Elle s’est transformée en enfant. Mais je dirais que Kiri est aussi une adolescente sage. C’est une enfant sage, non ? Elle n’est pas vraiment votre enfant moyen. Il y a évidemment quelque chose en elle qui a été découvert dans la suite et qui continuera à être découvert dans le futur de cette franchise, qui est si profonde. Tellement connecté à la ressource d’Eywa et à l’identité d’Eywa et à l’intercommunication des plantes et des animaux sur Pandora que je pense que cela donne un aspect tellement phénoménal au développement du personnage qu’elle a eu des deux premiers au reste de cette franchise .

Pour en revenir au film original, j’étais curieux car je regardais certaines scènes supprimées. J’ai vu qu’il y avait toute une intrigue secondaire entre Norm et Trudy qui avait filmé des scènes et qui avait été coupée. Qu’as-tu pensé quand tu as vu que ça ne faisait pas partie du montage final ?

J’étais très heureux parce que… chaque film que vous faites, vous le coupez, n’est-ce pas ? Donc, en tant que réalisateur, j’ai appris cela. J’ai réalisé mon premier long métrage à 25-26 ans. Je pense donc que c’était une très bonne leçon pour ne pas être offensé quand les choses ont été coupées du côté des acteurs. Mais vous devez d’abord aborder et éditer l’histoire. Bien sûr, vous voulez vous assurer que les séquences d’action sont correctes et que les personnages sont bien évalués. Mais vous devez avoir une vision holistique de l’ensemble de votre vue à 30 000 pieds et dire: « Qu’est-ce qui motive le mieux mon histoire pour qu’un public soit rassasié à la fin de ce film? » Et à chaque instant où Michelle et moi avons travaillé ensemble, nous sommes devenus de bons amis.

Et chaque instant que nous avons passé, de nos sorties et soirées en Nouvelle-Zélande jusqu’à notre travail sur le plateau, était si merveilleux et si précieux, mais inutile pour cette histoire. L’histoire parlait de notre relation avec les Na’vi et comment nous allions nous assimiler à leur société, à leur culture, et apprendre d’eux et nous adapter aux comportements que les Na’vi avaient et apprendre à survivre et à se débrouiller ensuite. loin des méchants traditionnels qui allaient alors s’attaquer à leur mode de vie. Je pense que, encore une fois, vous voyez également ce genre de scénario cyclique dans la suite. Pourquoi est-ce important ? Parce que je pense que ce que Jim essaie de faire, c’est d’enseigner une leçon sur ce à quoi nous avons affaire ici sur la planète Terre.

Et il ne s’agit pas de méchants et de gentils. Il s’agit de savoir comment protéger les parties les plus fondamentales et les plus précieuses de notre société, et c’est la terre sur laquelle nous nous tenons. C’est drôle, mon chef de production dans mon entreprise a un dicton sur le mur. Il dit: « Vous ne pouvez pas faire de films sur une planète morte. » Et je pense toujours à ça. Chaque fois que nous sommes frustrés ou quoi que nous fassions dans la vie, je me dis : « C’est la chose la plus importante. » Je vais à un sommet sur le climat pendant quelques semaines en Antarctique, et tout est question de savoir comment comprendre [and] comment promouvoir plus d’action sur cette planète. Et Jim le fait en nous permettant de voir les répercussions sur une autre planète et comment c’est un miroir de ce à quoi nous sommes confrontés quotidiennement sur la planète Terre.

Avant de conclure, l’un de vos films préférés est Grandma’s Boy. Vous, en tant que JP, êtes tellement hilarant. Comment s’est-il pleinement engagé envers ce personnage, et cela vous a-t-il vraiment surpris que près de 20 ans plus tard, les gens aiment toujours ce film?

Nick Swardson est une légende. Il est brillant. C’est l’un de mes gars préférés que j’ai rencontré à Los Angeles. Il a créé quelque chose, je pense, qui pourrait résister à l’épreuve du temps simplement parce que c’est une comédie classique amusante et emblématique. On ne fait même plus vraiment de comédies comme ça. Goofball ou tout ce que vous appelleriez Le garçon de grand-mère, quel que soit ce genre de comédie hybride. Vous n’en voyez pas beaucoup. Il a échoué au théâtre. Il a rapporté peut-être 2,5 millions de dollars au cinéma, est sorti sur 2 500 écrans ou quelque chose comme ça – un échec massif. Et puis ça l’a tué sur DVD. C’était comme l’élan parfait, venant d’une sortie en salles ratée dans tout le monde qui voulait juste voir ce film étrange. Je pense que cela a frappé les campus universitaires de manière très importante. Mais à cause de cela, quotidiennement, j’entends des gens parler de Le garçon de grand-mèrece film dont nous ne savions pas qu’il allait avoir ce genre de vie.

Je pense donc que c’est considéré comme l’un de nos classiques cultes dans le domaine de la comédie. Nous en sommes tous fiers. C’est amusant, tu sais ? Nick Goossen a fait un travail incroyable en le réalisant, c’est un autre bon ami à moi. Cela nous fait rire que presque 17 ans plus tard, je me promène dans un centre commercial et que quelqu’un vienne me parler de Le garçon de grand-mère. C’est fou.