Tyler Treese, rédacteur en chef de Crumpa, s’est entretenu avec le costumier de La Petite Sirène (2023) Colleen Atwood sur la création des costumes pour le remake live-action. Atwood a discuté de la transformation de l’animation en action réelle et du travail avec l’eau à l’esprit. La Petite Sirène est désormais diffusée sur Disney+ et est disponible sur DVD, Blu-ray et 4K UHD.
« Ariel, la plus jeune des filles du roi Triton et la plus provocante, aspire à en savoir plus sur le monde au-delà de la mer et, en visitant la surface, tombe amoureuse du fringant prince Eric », lit-on dans le synopsis du film. « Même s’il est interdit aux sirènes d’interagir avec les humains, Ariel doit suivre son cœur. Elle conclut un accord avec la méchante sorcière des mers, Ursula, ce qui lui donne une chance de découvrir la vie sur terre, mais met finalement sa vie – et la couronne de son père – en danger.
Tyler Treese : Ce sont des personnages et des designs tellement emblématiques. Quel a été le défi de devoir équilibrer les attentes des fans et de faire quelque chose de nouveau ?
Colleen Atwood : Eh bien, je pense que le grand défi était de mettre au monde Ariel et les sœurs d’une manière qui soit applicable au public qui aime La Petite Sirène. Nous voulions rendre hommage à l’emblématique Petite Sirène, et nous l’avons fait en utilisant le même type de couleurs sur le costume d’Ariel, mais c’était en quelque sorte notre point de départ.
Nous avons rendu les queues plus fluides et avec des voiles de palmes et de tissus et des choses comme ça, et nous avons fait des petites bralettes au lieu de coquillages et des choses comme ça qui étaient plus contemporaines pour le public d’aujourd’hui afin qu’ils puissent s’identifier aux personnages – quelque chose qui pourrait être eux. s’ils avaient une queue.
Ce qui m’a vraiment impressionné, c’est que tu as su rendre hommage, comme tu l’as dit, mais parfois quand on essaie de faire quelque chose de trop direct, ça ressemble presque à du cosplay. Mais j’ai l’impression que vous étiez fidèle à l’esprit des créations sans leur être redevable. Pouvez-vous nous parler un peu plus de cet état d’esprit ?
J’ai conçu les costumes d’Ariel et de tous les ondins avec un artiste informatique, mais j’ai utilisé de vrais poissons comme référence, ce que j’ai trouvé plus amusant et un monde plus riche à partir duquel dessiner. J’ai donc créé différentes échelles à partir de différents matériaux, des échantillons de tissus et des objets peints à la main pour que les artistes numériques puissent les fabriquer afin de transmettre l’idée de la technologie dont nous disposions aujourd’hui et de ne pas la faire ressembler à du plastique – mais plutôt de la faire ressembler à du plastique. cela fait partie de leur corps. L’une des choses les plus difficiles a été la transition entre la queue et le corps, car on ne peut pas simplement faire une ligne ou quelque chose comme ça. Ça avait l’air bizarre. Ensuite, nous avions des écailles qui montaient dans le corps et cela ressemblait trop à une créature.
Vous verrez donc autour de sa taille, il y a un petit volant et un petit volant sur le haut de son corsage, c’est ce que nous avons fait pour faire la transition entre le poisson et l’humain. C’était un processus intéressant. Ça a pris du temps. Souvent, avec l’art numérique, ils tirent une référence qu’ils ont déjà. Mais pour cela, nous créions le nôtre. Cela les a donc vraiment aidés à créer tous les documents qu’ils pouvaient numériser et ensuite à mettre dans leurs affaires à titre de référence. Il s’agissait donc uniquement d’une référence originale, au lieu de simplement prendre une photo d’un poisson et de la connecter à une animation numérique.
J’étais curieux de connaître les matériaux. A-t-il été difficile de trouver des vêtements ? Certaines scènes traitaient de l’eau réelle, puis de nombreuses scènes sous-marines sont comme imposées numériquement mais ont des ombres très particulières. Avez-vous dû réfléchir à des matériaux spécifiques qui s’adapteraient bien à l’eau, ou quel a été ce processus ?
Ce processus consistait davantage à scanner les matériaux et à examiner la couleur de l’eau, [which] C’était vraiment important, car vous obtenez le reflet de l’eau, mais vous obtenez également la couleur de l’eau par rapport aux tons chair des gens. Donc, parfois, modifier l’eau, là où elle était plus bleue ou plus verte, était plus une question d’éclairage dont Dion Beebe s’occupait que moi dans les costumes. Lorsqu’ils faisaient des activités sous-marines, ils portaient des combinaisons grises avec des pois partout. C’était uniquement une référence et un bonnet de perruque avec des points dessus.
Le niveau visuel des cheveux et des corps et tout pour cette partie… Rob [Marshall] voulait faire autant de choses réelles que possible avec les acteurs, mais c’est limité lorsque vous parlez sous l’eau et des trucs comme ça. Nous ne leur avons pas confectionné de petits costumes de poisson cosplay. C’est donc un peu comme ça que ça s’est passé. Donc c’est vraiment plus de post-production et d’effets visuels, pas moi.
Le costume d’Ursula est fantastique. C’est plus grand que nature. C’est sorti incroyable. La conception originale était évidemment basée sur Divine. Est-ce que vous vous êtes encore inspiré d’elle ou comment avez-vous abordé Ursula ?
Eh bien, je pense que le personnage d’Ursula, on ne peut pas vraiment le séparer, pour ceux qui savent qui était Divine, dans un sens. Mais je pense que le clin d’œil divin concerne plus la coiffure et le maquillage que le costume. Ils ont joué avec toutes sortes de styles différents – pour ne pas parler pour eux – mais ils ont joué avec toutes sortes de styles de cheveux différents, différents types d’eye-liner, un énorme hommage à l’original. Mais avec mon costume, j’essayais d’obtenir la texture d’une pieuvre, car elle a une profondeur de peau vraiment intéressante. Ils changent également de couleur de manière écologique de la manière la plus étonnante. J’essayais donc de ressentir l’ambiance de son changement de couleur dans un environnement aussi sombre, ce qui était un véritable défi. J’ai mis du tissu à paillettes violettes et des paillettes violettes sous un cuir découpé au laser pour qu’elle ne soit pas seulement une présence noire dans une grotte.
Et ça joue parfois. D’autres fois, ce n’est pas très réussi, mais nous avons eu l’idée de la lumière, des lumières qui sortaient d’elle et tout ça pour qu’elle soit en quelque sorte toujours sur scène, et cela a vraiment aidé à équilibrer l’obscurité dans l’obscurité environnementale dans laquelle elle se trouvait, à la fois dans le costume et dans la pièce quand elle était réellement pratique. Ce costume que nous avons fait pour Melissa à partir de la taille, parce qu’à part ces trucs où elle plonge vraiment et tout ça, elle a fini par utiliser beaucoup ce costume. Elle y a beaucoup joué, même avec le matériel numérique.
J’ai trouvé que c’était tellement charmant que Jodi Benson puisse faire une belle apparition dans le film. Comment s’est passée l’élaboration de son costume ? Évidemment, vous souhaitez attirer l’attention sur elle car il s’agit d’un rappel important à l’original.
Eh bien, vous vouliez vraiment que Jodi soit une révélation surprise, comme lorsqu’Ariel se dirige vers son stand à la foire. Elle devait donc vraiment se fondre dans les gens qui l’entouraient sur le marché. Nous avons simplement amélioré un peu l’apparence du marché pour Jodi puisqu’il s’agissait de Jodi. C’était un costume vraiment amusant car c’est vraiment l’un des grands numéros de danse en surface du film. Nous voulions donc vraiment que tout ce monde soit vivant et plein de couleurs et nous y avons branché Jodi et avons ajouté le petit chapeau et ses touches. Ce n’était donc pas du genre « Jodi a un costume différent de celui de tout le monde. » C’est plutôt : « Comment pouvons-nous faire en sorte que Jodi Benson ressemble à tout le monde jusqu’à ce que tout le monde réalise que c’est vraiment Jodi Benson qui se tient là ? C’est une bonne façon pour John de l’aborder, je pense.
En entrant dans ce domaine et en adaptant un film d’animation dans un décor d’action réelle, il y a des défis plus évidents. Mais en faisant cela, quelles petites surprises sont apparues qui étaient un peu plus délicates que vous ne l’auriez pensé au départ ?
Eh bien, je pense que l’une des choses… nous avons tourné en Sardaigne à la fin du film. Tout ce beau travail océanique est pratique en Sardaigne. À la fin, nous avons eu l’hommage lorsqu’elle et le Prince partent faire leur voyage à travers le monde. Nous avions tous ces gens là-bas qui voyageaient avec nous, des ondins qui étaient en fait dans l’océan. Et pour cette scène, nous avons réalisé ces costumes de référence, qui ont été en quelque sorte peints pour ressembler aux poissons qu’ils portent dans l’eau. Mais il faisait assez froid, donc c’était comme s’ils enfilaient des bas de combinaison et toutes sortes de trucs. C’était un véritable cauchemar technique. Cela a fini par fonctionner, mais quand on travaille dans l’océan, on ne sait jamais ce que l’océan va faire.
C’était donc vraiment un défi pour mon équipe, la caméra et tout le monde d’être là-bas. L’eau bouge, les gens sont dedans, certains d’entre eux sont de vrais soldats et ils étaient habitués à l’eau plus froide, mais ensuite certains d’entre eux l’étaient… nous avions des enfants et tout le reste pour rester à l’aise. Ce furent donc quelques jours passionnants, vraiment. L’autre problème d’eau, c’est que Rob et John [DeLuca] Perdez-vous dans le moment de l’océan et de tout ce qui se passe là-bas, et la reine et tous ces gens n’étaient jamais vraiment censés sortir là-dedans et Ariel dans sa robe de mariée n’était jamais vraiment censée aller dans l’océan avec leurs costumes ! [Laughs]. Donc vous avez ces énormes robes. La reine, je m’en doutais, finirait dans l’eau.
J’ai donc confectionné son costume dans un tissu composé de nylon et de métal. Donc, il est entré et sorti pendant cinq ou six prises sans avoir à le changer. Mais la robe de mariée d’Ariel, je n’en avais que deux, et la mer était vraiment grosse ce jour-là et elle a fini par être super trempée. Mais je l’ai fabriqué à partir d’un matériau appelé tissu d’ananas, qui est un tissu très fin fabriqué à partir de fibres d’ananas. Et il a suffisamment résisté à l’océan pour non seulement devenir totalement mou comme un vieux chiffon sur son corps, ce qui était un soulagement, mais cette partie était probablement la partie la plus techniquement difficile de l’histoire.
Dans les fonctionnalités spéciales du Blu-ray, vous parlez de concevoir les différentes sirènes et de vous inspirer des vrais poissons des sept mers. J’étais donc curieux, tout comme vous avez fait toutes ces recherches sur différents types de poissons, êtes-vous reparti avec un favori que vous pensiez être juste un beau poisson qui a inspiré un design en particulier ?
Oh wow, c’est une question difficile. Ils étaient également d’un autre monde à leur manière. Ce qui était plus intéressant qu’un détail spécifique, c’est la diversité des poissons dans différents océans. Puis des poissons apparaissent partout. [Laughs]. C’est marrant. Les petits poissons rayés, comme les mérous, mais d’autres poissons ne se trouvent que dans certaines eaux. Comme le poisson sud-américain que nous avions. J’adore le poisson de référence de l’océan Indien, que j’ai un peu interprété comme un balaou avec la queue, qui était vraiment amusant à regarder. Mais c’était un beau poisson.
