Céline Song explique comment la création de « vies antérieures » l’a amenée à tomber « si fort amoureuse du cinéma »


Le premier long métrage de Céline Song Vies antérieures a été inondé de critiques élogieuses et de beaucoup d’amour du public depuis sa première à Sundance. Cela n’a pas été différent au 57e Festival international du film de Karlovy Vary.

« La dramaturge Celine Song fait un pas étonnant dans les longs métrages avec ce drame romantique qui s’étend sur des décennies », THRL’avis de résumé.

Le film met en vedette Greta Lee (Poupée russe, L’émission du matin) dans le rôle de Nora dont la famille déménage de la Corée du Sud au Canada, avant de déménager à New York, reflétant les mouvements que Song a traversés dans la vraie vie. Le film met également en vedette la star coréenne Teo Yoo (Décision de partir) dans le rôle de Hae Sung, l’âme sœur d’enfance coréenne de Nora, et John Magaro (Le grand court, Carole) comme son mari américain Arthur.

A Karlovy Vary, Song a expliqué à THR comment sa formation théâtrale l’aide à écrire des dialogues, pourquoi son histoire est si universelle et sa demande pour les gens qui vont voir le film.

À en juger par les fortes réactions du public ici à Karlovy Vary et dans d’autres festivals, Vies antérieures est l’une de ces histoires personnelles à l’attrait universel. Vous êtes-vous lancé avec cet objectif en tête ?

Mon professeur a dit un jour que si vous faites quelque chose qui vous passionne et vous passionne ou quelque chose que vous aimez tant, auquel vous croyez et que vous pensez être vrai, parce que vous êtes une personne et non un extraterrestre, il y a il y aura d’autres personnes qui s’y connecteront également en tant qu’humains. Et je pense que c’est finalement ce qui me guide à travers tout ce que je fais. À la fin de la journée, je sais que ma norme pour ce qui est des conneries et ce qui est vrai va être plus élevée en ce qui concerne les choses que je fais. Il n’y a pas de critique qui pourrait mieux savoir quand je raconte des conneries. Donc, dans ce sens, la seule chose que je poursuis est quelque chose qui peut m’intéresser ou que je peux penser être honnête. Une fois que vous avez fait cela, vous espérez simplement que d’autres personnes voient également cela et voient que ce n’est pas seulement l’histoire d’une personne, mais que c’est aussi une histoire qui peut aussi exister dans leur propre vie. C’est ce que je peux faire en tant qu’artiste.

Quelle part de l’histoire est basée sur votre propre expérience réelle ou sur les expériences des autres ?

Il y a un bar dans l’East Village où je me suis retrouvé parce que j’habitais là-bas. Et j’étais assise là avec mon chéri d’enfance qui est venu de Corée, maintenant c’est un ami, qui ne parle vraiment que le coréen, et mon mari américain qui ne parle vraiment que l’anglais. Et j’étais assis là à essayer de traduire ces deux gars qui essayaient de communiquer, et j’avais l’impression que quelque chose de vraiment spécial se passait. Je devenais en quelque sorte un pont ou un portail entre ces deux hommes et aussi, d’une certaine manière, ces deux mondes de la langue et de la culture. Quelque chose à propos de ce moment a vraiment déclenché quelque chose, puis cela m’a donné l’impression que cela pourrait être un film. Donc, tout a commencé à partir d’une chose assez réelle qui m’est arrivée. Mais ensuite, bien sûr, en faisant le film, cela vient d’une expérience subjective qui transforme toute cette histoire en un objet, qui est un scénario, puis à partir de là, le film.

Comme je vivais à New York, je dois te demander dans quel bar de l’East Village tu es allé ?

S’il vous plaît ne le dites pas. (L’écrivain dit: « Je le sais! ») Vous le savez!? Avec la cabine téléphonique. Mais la scène est en fait tournée le Holiday Cocktail Lounge sur la 8ème rue. Vous venez peut-être de passer à côté, il ne ressemble à rien de l’extérieur.

La scène d’ouverture de ce bar montre les trois personnages principaux assis dans le bar et quelqu’un s’interroge sur leur relation les uns avec les autres, ce qui est le genre de conversation que j’ai eue avec des amis auparavant. Comment créez-vous un dialogue qui semble si naturel et authentique?

Je pense que ça vient du théâtre. J’ai longtemps travaillé au théâtre. C’est vraiment la seule chose au théâtre sur laquelle vous pouvez compter. Parce qu’au théâtre, tu n’as pas vraiment la scénographie, il n’y a rien pour vraiment t’aider. Tout ce que vous avez, ce sont des dialogues et des acteurs. Donc pour moi, je suis venu en tant que vétéran, je savais comment faire ça.

Il y a des scènes où l’on sent vraiment la maladresse, par exemple dans la scène où les deux hommes se rencontrent pour la première fois. Comment y êtes-vous parvenu en tant que réalisateur ?

Je ne vais pas faire de feux d’artifice ni faire de VFX ou quelque chose pour améliorer ce qui se passe sur le visage des acteurs. Cela signifie que tout le film doit vivre dans les visages des acteurs. Il y a donc plusieurs choses que j’ai faites.

J’ai séparé les deux acteurs masculins dans la préparation du film jusqu’à ce que nous tournions cette scène où les deux se voient pour la première fois. Cela a demandé un peu de logistique, mais les deux gars étaient séparés. Et aussi, j’ai demandé à Greta, qui joue Nora, dans ses répétitions avec chaque gars de dire au gars qu’elle avait une répétition avec l’autre gars. Donc, ils se formaient tous les deux des idées sur qui est l’autre gars et ont créé des attentes pour ce que c’est. Et puis bien sûr, quand ils se sont rencontrés pour la première fois, on roulait. Parce que nous voulions rouler quand ils se sont rencontrés pour la première fois – les acteurs ainsi que les personnages. Et quand cela s’est produit, ce plan est dans le film, le premier plan d’eux se regardant est dans le film. Et c’était incroyable parce qu’ils pouvaient juste sentir toutes leurs attentes s’effondrer, n’est-ce pas ? Mais aussi, ils devaient s’entendre et essayer de se comprendre. Parce qu’il s’agit aussi de notre idée d’une autre personne. Je suis sûr que vous avez déjà vu des photos de moi. Et, bien sûr, me rencontrer en personne est une chose complètement différente d’une certaine manière.

Cela compte aussi dans le film parce que c’est un film sur l’extraordinaire bonjour et extraordinaire au revoir. Je ne pense pas que tous les films aient besoin de jouer à des jeux comme ça. Mais je pense que ce film l’a fait parce qu’il allait simplement aider les acteurs à créer des saluts vraiment spéciaux et des adieux vraiment spéciaux.

L’autre chose que j’ai faite, c’est que je n’ai pas laissé Teo (Yoo) et Greta (Lee), Hae Sung et Greta se toucher jusqu’à ce qu’ils se rencontrent pour la première fois dans le film. Ils répétaient, donc ils se connaissaient, mais quand ils s’étreignent réellement, la chaleur réelle, le physique et tout, c’est juste rendu tangible, ça fait quelque chose que vous pouvez toucher. Je pense donc que c’est quelque chose que vous essayez de créer en partie parce que je n’ai pas de feux d’artifice. Tout ce que vous pouvez faire, c’est voir ce qui se passe sur leur visage et parfois cela suffit.

Vies antérieures

Avec l’aimable autorisation de Jon Pack

Après avoir vu le film, j’ai beaucoup réfléchi à l’identité et à qui nous sommes et pouvons devenir et à ce qui nous influence et nous change. Par exemple, j’ai grandi en Autriche avec un père hongrois, puis j’ai déménagé à New York et je vis maintenant au Royaume-Uni. Nora a quitté la Corée du Sud pour le Canada, puis New York. Pourriez-vous parler un peu de ce thème?

Ce qui est si drôle, c’est que lorsque nous parlons d’identité, une partie de notre discours sur l’identité est un aplatissement de notre expérience humaine en mots. Si vous parliez de votre identité, vous diriez : Eh bien, je suis un Autrichien avec un père Hongrois, qui est journaliste, ce qui n’est pas tout ce qui vous arrive. Et puis une fois New Yorkais. Donc, tout tourne autour d’un aplatissement de votre expérience. Le temps que vous avez passé à New York, je ne pense pas que cela puisse se résumer à [just] un New-Yorkais, parce que chaque jour où vous y avez vécu, vous avez donné du temps et de l’espace à cette ville, n’est-ce pas ? Et chaque jour était vivant à cette époque. Vous ne pouvez pas vraiment en parler comme un mot plat. Ce dont vous pouvez parler est une expérience, ou vous pouvez penser à cela comme à une existence. Je pense donc qu’il s’agit aussi d’une existence qui est fluide et qui coule aussi dans le temps et dans l’espace.

Autrefois, pour déménager dans une autre ville, on montait à cheval. Il était beaucoup plus difficile d’être mobile. Mais maintenant, nous sommes devenus plus mobiles. Et bien sûr, nous avons tous des activités professionnelles et beaucoup de nos activités professionnelles nécessitent de voyager, ou de déménager, ou de changer – changer de carrière ou changer d’entreprise, ou quoi que ce soit. Nous nous déplaçons d’un endroit à l’autre. Et c’est tellement le sujet du film. Absolument, c’est une question d’identité. Mais je pense qu’il s’agit de la façon dont cette identité n’est pas plate, mais cette identité est à la fois sphérique et en mouvement constant. Parce qu’en ce moment, je ne pense pas que tu puisses m’enlever New York parce que j’ai vécu à New York pendant 10 ans.

Nora est-elle l’écrivaine professionnelle qui travaille à New York ? Oui. Est-elle aussi la petite fille qu’elle a laissée en Corée, ne parle que coréen et a toutes ces ambitions et tous ces problèmes ? Absolument. Je pense que nous pouvons dire cela de nous tous. Je sais que vous et moi assis ici, nous savons qu’il y a une version enfant de 12 ans de nous qui existait et qui est toujours en nous. Et selon à qui vous parlez, vous vous sentez comme ça. Je suis sûr que vous avez déjà entendu cela. Les gens racontent parfois que lorsqu’ils passent du temps avec leurs parents, ils reviennent soudainement à leur adolescence, ils se sentent comme des adolescents et se disent alors : « Maman ! Papa! » Je pense que cette personne existe. Il s’agit donc vraiment des nombreux moi que nous sommes. Et il s’agit à la fois d’accepter cela et de concilier cela et d’abandonner l’idée que vous n’êtes qu’une chose.

Avez-vous déjà eu une idée pour un film de suivi ou savez-vous si vous voulez aller dans une direction différente en termes de sujet ?

En tant qu’artiste, ce que vous voulez le plus pour votre travail, c’est qu’il soit vivant. Chaque nouvelle chose que vous faites doit vous sembler complètement vivante. Et ce qui fonctionne toujours pour moi, c’est qu’il doit y avoir une partie qui est toute nouvelle pour moi, plus ou moins quelque chose que je n’ai jamais fait auparavant. Quelque chose qui me fait peur ou quelque chose qui me donne l’impression que ça va m’apprendre quelque chose. Quelque chose que je pense est plus intelligent que moi. Ce sont les choses que j’espère vraiment dans chaque projet que je fais. Donc, quels que soient les projets que je veux faire, ce sont toujours les choses qui me feront me sentir vivant en les réalisant, parce que je ne veux pas battre un cheval mort.

Voulez-vous retourner au théâtre ou vous concentrer sur les films ?

Je vais faire plus de films.

Vous avez également travaillé un peu à la télévision, n’est-ce pas ?

J’ai travaillé comme scénariste sur la première saison de La roue du temps, qui, je pense, tourne dans cette (partie du monde), mais je n’ai jamais pu tourner la série. Mais j’étais dans la salle des scénaristes pour la première saison.

Que pensez-vous du théâtre à ce stade de votre carrière ? Est-ce quelque chose que vous pourriez encore explorer davantage ou est-ce une « vie passée » à ce stade ?

Le théâtre est peut-être devenu une vie passée. Je suis tombé tellement amoureux du cinéma. Je sens juste que je me suis découvert. Ce fut une révélation pour moi que je sois cinéaste, et j’aime tellement ça. C’est un peu une phase de lune de miel. Mais je pense que je l’aime vraiment.

Quel est le principal attrait du cinéma pour vous ? Est-ce les outils supplémentaires du storytelling ou quoi ?

Je pense en fait que c’est que j’aime pouvoir prendre autant de décisions à ce sujet qui sont complètement délibérées et que je peux le tenir. De plus, j’adore être sur le plateau. J’adore préparer et j’adore être dans la salle de montage. Le processus de ces choses dont je suis vraiment tombé amoureux. Et j’avais vraiment l’impression que chaque jour sur le plateau, je repoussait un peu mes propres limites et j’apprenais sur moi-même. Je pensais que ma limite était ici. Ensuite, chaque jour, vous êtes poussé, et c’est incroyable de découvrir que vous avez des limites de plus en plus chaque jour. Et puis ça donne juste envie d’aller plus loin. Je pense que c’est ce que j’aime vraiment.

J’ai entendu dire que vous étiez l’une des personnes les plus recherchées pour des interviews ici, alors je dois conclure. Y at-il autre chose que vous aimeriez partager?

Une chose que je dirais, c’est : j’espère que le public se présentera au cinéma avec le cœur ouvert plus qu’autre chose. Je ne m’attends pas à ce que tous les membres du public repartent en ressentant la même chose ou en pensant aux mêmes choses, car nous venons tous d’horizons différents. Parce que ce film parle de personnes qui ont des parcours de vie différents et de la complexité de l’existence et de l’identité et de tout, je ne m’attends pas à ce que tout le monde ait exactement la même réaction au film. Mais ce que je demande, c’est qu’ils puissent se présenter avec un cœur ouvert afin qu’ils puissent laisser le film entrer dans leur peau et qu’il laisse une marque dans leur vie comme Hae Sung a marqué la vie de Nora et aussi celle d’Arthur. J’espère qu’au moins pendant l’heure et 45 minutes qu’ils sont dans le théâtre, ils pourront se connecter aux personnages et s’ouvrir à eux.

Interview éditée pour plus de longueur et de clarté.



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