Depuis Reine Charlotte a atterri sur Netflix plus tôt ce mois-ci, émission parentale Bridgerton fait à nouveau partie de la conversation culturelle. Malgré des similitudes évidentes, la préquelle se distingue de la série originale de plusieurs manières – Reine Charlotte se déroule principalement dans les années 1760, environ 50 ans avant les événements de Bridgerton, et présente l’histoire d’amour la plus complexe et la plus poignante de la franchise à ce jour. Cependant, un aspect de la Bridgerton héritage que Reine Charlotte continue de manière fiable ses reprises classiques de chansons pop contemporaines, et nous ne pourrions en être plus ravis. Depuis sa première saison, Bridgerton a présenté une partition composée en partie de versions à cordes de succès des 20e et 21e siècles.
Bien que cela puisse sembler un choix étrange pour un non-spectateur, cela est en fait parfaitement logique – les cordes montantes encapsulent une atmosphère délicieuse qui la distingue des autres pièces historiques. Il y a beaucoup de drames d’époque avec de belles partitions, mais nulle part ailleurs vous ne trouverez des bals somptueux, des danses cérémonielles et des costumes ornés sur fond de Madoneet c’est l’une des nombreuses choses qui font Bridgerton tellement spécial. Il y a plusieurs raisons pour lesquelles la pop couvre sur Bridgerton fonctionnent si bien et pourquoi la série ne serait pas la même sans eux ; dans un spectacle qui a toujours été un festin extravagant – à la fois visuellement et auditivement – les reprises pop sont peut-être la partie la plus cruciale pour faire Bridgerton si addictif.
‘Les reprises pop de Bridgerton représentent le drame de la période moderne
Il était clair dès le premier épisode que Bridgerton est loin de votre drame d’époque typique – deux de ses caractéristiques les plus appréciées sont sa distribution racialement diversifiée et ses représentations féministes du sexe qui répondent au regard féminin. C’est peut-être pour cette raison que les interprétations classiques de chansons pop sont l’accompagnement musical idéal – elles font entrer sans effort la période Regency dans l’ère moderne. Ces couvertures établissent fermement le spectacle comme étant en dehors de la tradition, démontrant au public qu’il s’agit d’un monde où les images romancées du passé et l’inclusivité du présent peuvent coexister. Ceci est important, car les messages de Bridgerton sont ceux de l’acceptation, de l’amour et de la diversité, chaque saison incluant jusqu’à présent une relation interraciale au cœur de son scénario respectif. Ces thèmes sont poussés encore plus loin dans Reine Charlotte, où la franchise présente enfin sa première relation homosexuelle. Les couvertures sur Bridgerton incarnent un drame d’époque destiné à un public moderne, le séparant de la vague de drames d’époque qui dépeignent une société en grande partie blanche et un récit qui ressemble au passé avec une influence contemporaine minimale.
Ce mélange de tradition et de modernité s’est transformé en Bridgerton‘s, et les choix musicaux anachroniques sont devenus sa marque de fabrique. Il s’agit d’un choix judicieux de la part des créateurs de la série, car cela rend non seulement la série mémorable parmi ses concurrents, mais lui permet de jouer avec des éléments qui seraient autrement limités par les contraintes du genre. Contrairement à d’autres drames d’époque, Bridgerton n’est pas intéressé à être une représentation même légèrement historiquement exacte du passé, et par conséquent, ne se prend pas trop au sérieux. Les reprises pop ne sont qu’une des façons dont le spectacle invoque un sens fantastique de l’amusement et du camp que le public adore, et qui est devenu synonyme de Bridgerton lui-même. Les couvertures ne se sentent jamais déplacées, ce qui témoigne de l’atmosphère légère et fantaisiste de la série qui en fait la montre de plaisir coupable ultime.
Les choix de bandes sonores reflètent parfaitement les parcours des personnages
La musique choisie pour figurer dans Bridgerton peut être idiosyncratique, mais ce n’est pas aléatoire. Au cours des deux saisons et Reine Charlotte, les chansons pop couvertes reflètent parfaitement les voyages, les luttes et les identités des personnages. Cela engage encore plus le public dans le récit, lui donnant un aperçu profond de la vie intérieure des personnages. Ces choix sont clairement intentionnels à tous points de vue – aussi beaux qu’ils sonnent, les sélections ne portent pas seulement sur la façon dont les compositions complètent mélodiquement une scène, mais aussi sur le contenu lyrique des chansons originales. Bien que les reprises soient purement instrumentales, le sens derrière les chansons et ce que les artistes originaux véhiculent est tout aussi important pour l’impact de la bande originale.
Dans la saison 1, Daphné (Phoebe Dynevor) la reconquête de sa sexualité et de sa féminité se reflète dans des hymnes féministes tels que Ariana Grande« Thank U, Next » et Billie Eilishc’est « le méchant ». Dans la saison 2, Kate Sharma (Simone Ashley) La culture indienne est représentée dans une reprise de « Kabhi Khushi Kabhi Gham », une chanson en langue hindi d’un film bollywoodien du même titre. Ceci est utilisé dans une scène dans laquelle Kate, sa sœur Edwina (Charitra Chandran), et sa belle-mère Mary (Shelley Conn) se réunissent la veille du mariage d’Edwina pour effectuer une cérémonie Haldi, un rituel indien traditionnel avant le mariage.
Reine Charlotte’s bande originale constitue des chansons uniquement par des femmes noires à l’origine – de SZA pour Clés d’Alicia pour Whitney Houston — reflétant celle de Charlotte (Inde Amarteifio) expérience en tant que femme noire rejoignant la royauté britannique. En particulier, l’utilisation de 3 Beyoncé les chansons reflètent son identité en tant que femme noire forte et autonome naviguant dans son nouvel environnement. Ces choix musicaux permettent au public de mieux connaître les protagonistes comme s’ils étaient de vraies personnes vivantes aujourd’hui, partageant leurs listes de lecture Spotify avec le monde.
La partition accompagne les moments les plus mémorables de Bridgerton
La vraie magie de Bridgertonc’est les couvertures ne sont pas entièrement réalisées sans le contexte des scènes qu’elles accompagnent. Une partie de BridgertonLes moments clés de ont été rendus encore plus inoubliables par la bande sonore qui les souligne, et le drame qui se déroule combiné à cette musique est un mariage paradisiaque. Qui peut oublier le montage dans lequel Daphné et Simon (Régé-Jean Page) faire l’amour Taylor Swift‘s « Wildest Dreams » pendant 3 minutes d’affilée dans une Crumpa d’endroits différents ? Le moment est sans doute le moment définitif parmi de nombreuses scènes intimes de la série, en grande partie grâce à la musique qui le rend d’autant plus remarquable. La mélodie entraînante met l’accent sur la romance de la rencontre, et la chanson a tellement d’attrait Gen-Z indéniable que la scène pourrait presque être confondue avec un montage TikTok.
Il y en a peu Bridgerton des moments plus emblématiques que ceux de Kate et Anthony (Jonathan Bailey) scène de danse dans la finale de la saison 2, au cours de laquelle Miley Cyrus‘ « Wrecking Ball » joue. Le choix de la chanson symbolise toute l’angoisse que les deux ont endurée ensemble, qu’ils ont mise de côté pour ce qu’ils s’attendent à être une dernière danse entre eux. Le cadre dans lequel Kate, submergée d’amour, fronce les sourcils alors qu’elle regarde Anthony avec envie, a même inspiré une tendance virale TikTok où les utilisateurs ont tenté de reproduire l’expression – et le choix de la chanson a certainement aidé l’émotion à résonner auprès des téléspectateurs.
Bridgerton ne serait pas ce qu’il est sans ses reprises pop, et nous ne voudrions pas qu’il en soit autrement. Le paysage musical unique a contribué à définir le spectacle comme faisant partie de l’air du temps culturel des années 2020, et les reprises de musique pop classique ont gagné en popularité en conséquence. En attendant la saison 3, nous ne pouvons que nous asseoir et nous demander – quelles chansons vont-ils transformer ensuite?
