Pour le producteur Dede Gardner, Femmes qui parlent, comme beaucoup de ses films, parle de complicité. Le long métrage de United Artists s’inspire d’événements réels survenus dans une communauté mennonite éloignée où des femmes ont été violées à plusieurs reprises par les hommes de leur colonie, et elle espère que le film, comme on le voit plus après avoir été nominé pour l’Oscar du meilleur film, mettra en lumière la violence faite aux femmes et comment le fait de travailler ensemble en tant que communauté peut produire des changements positifs.

«Nous avons fait le film pour susciter la conversation et pour mettre – ce que je ne pense pas devrait être radical – des idées quelque peu radicales dans le sillage, et donc dans la mesure où la nomination aide à créer cette opportunité, je suis vraiment reconnaissant», Gardner, co-président de Plan B Entertainment, raconte THR.

Le producteur, deux fois oscarisé pour 12 ans d’esclavage et Clair de luneparle de ce qui l’a attirée vers le film, des défis du tournage dans un grenier à foin et du camouflet de la réalisatrice Sarah Polley dans une année où, encore une fois, aucune cinéaste féminine n’a été nominée dans la catégorie meilleure réalisatrice.

Pourquoi pensez-vous que le film a autant résonné auprès du public?

J’aimerais penser que c’est parce que le film engage le public avec quelque chose d’utile, et par là, je veux dire qu’il postule quelque chose que tout le monde peut faire, à savoir imaginer un avenir différent. J’espère donc que l’une des raisons pour lesquelles il résonne est que ce n’est pas un film qui se concentre sur le jugement de ce qui s’est passé dans le passé, mais plutôt qu’il va vers l’avant en termes de directionnalité et en termes de ce qu’il suggère que possible, et je pense c’est un exercice auquel tout le monde peut participer. J’espère en tout cas.

Avez-vous déjà eu peur que cela ne résonne pas autant chez les hommes ?

Honnêtement, ça ne nous a pas traversé l’esprit. Je pense que l’idée d’imagination et de planification d’un avenir différent appartient à tout le monde. Je me sentais également très engagé à exprimer quelque chose qui se produit chaque jour dans le monde entier. Je n’ai pas peur de dire que la violence à l’égard des femmes est une épidémie, qu’elle est complexe et qu’elle comporte plusieurs couches, et que chaque réaction est individuelle et différente, et donc essayer de dépeindre la conversation autour de cela me paraissait impératif. Et, comme pour tout, vous espérez gagner des alliés au fur et à mesure. Le film travaille également très dur pour montrer à quoi cela ressemble de se rassembler en tant que collectif avec des perspectives différentes et de regarder ce qui est possible lorsque les gens écoutent, et de dépeindre les gens qui changent d’avis dans l’intérêt du collectif. Tout cela ressemblait à une utilisation utile de mon temps.

Qu’est-ce qui vous a attiré dans le projet ?

J’ai adoré le livre. Je viens de le dévorer. J’étais vraiment excité de travailler avec Frances [McDormand]. J’étais vraiment excité d’essayer de rendre cinématographiques les conversations essentielles que les gens ont tous les jours. Je pense que la présentation de « Faisons-nous rien, restons-nous et luttons-nous, ou partons-nous? » est en fait une décision que nous prenons d’innombrables fois dans nos vies, et j’ai pensé que ce serait vraiment amusant et excitant d’essayer d’y mettre du cinéma. Et je suppose que faire face aux comportements autoritaires et à la philosophie est la grande tâche de notre temps. Le film est une lentille à travers laquelle examiner ce problème plus important.

Qui a été casté en premier ?

Nous sommes allés à Ben [Whishaw] parce que nous savions que nous le voulions comme août. Le reste du grenier à foin était comme tisser une tapisserie parce que vous construisiez des familles, vous construisiez plusieurs générations. Vous vouliez que les familles s’inscrivent en tant que familles. Vous vouliez également qu’ils se sentent distincts afin que le public ne soit pas confus. Je ne dis pas cela très souvent dans ma vie, mais dans ce cas, nous avons eu l’avantage de la pandémie, c’est-à-dire que nous avons juste incubé pendant une année supplémentaire. Vous pourriez simplement le mettre sur un mur et quelqu’un sortirait et quelqu’un d’autre entrerait et vous venez de construire les familles. Nous les avons construits au fil du temps, et nous les avons construits en tant que collectif. Et puis une fois que nous avons senti que nous avions chacun des éléments en place, nous sommes allés voir tout le monde en même temps le même jour.

J’ai lu que vous aviez choisi de ne pas laisser August raconter le film, comme le fait son personnage dans le roman. Était-ce avant ou après avoir choisi Ben Whishaw ?

Nous l’avons tourné avec sa narration. Nous l’avons coupé avec sa narration. C’est sa narration dans le livre, et cela a beaucoup de sens dans le livre parce que [the women] ne sait ni lire ni écrire. Donc, cette capacité était le seul moyen de sortir l’histoire sous forme de texte, mais quand nous l’avons vue, aussi bonne soit-elle et belle, nous avons réalisé que l’histoire devait être enseignée. Ce que nous avons réalisé quand nous l’avons vu, c’est que le film devait être raconté par quelqu’un qui avait subi une agression. Cela devait venir de l’intérieur de ce collectif, puis cela a commencé une conversation autour de « Eh bien, qui? » Tout au long du tournage, tout le monde a été assez impressionné par Kate [Hallett]. C’est une belle interprète et très réfléchie, et entendre quelqu’un qui est la plus jeune génération dans ce grenier à foin était important. Et puis est venue l’idée [that] si le film est un [generational] histoire de ce que vous perdez et de ce que vous gardez, pour le meilleur et pour le pire, cette idée d’elle parlant à l’enfant à naître d’Ona ressemblait à l’achèvement d’un cercle que le film tentait d’imprimer.

Quels ont été les défis auxquels vous avez été confrontés pendant la production ?

Nous avions une ferme extérieure, puis nous avons construit une réplique du grenier à foin sur une scène pour les conversations plus longues car il allait être impossible, en termes de continuité, de les faire sur place. C’était difficile. Le sujet était dur. C’était intense. Vous couvrez neuf personnes dans différentes conversations. Je veux dire, certaines de ces scènes ont pris des jours à faire. C’était [during] COVID, donc il y avait des pauses obligatoires. Je le considère comme un marathon. Vous deviez juste y aller tous les jours et ensuite vous faites face aux choses normales, à la météo, et vous entrez dans le grenier à foin plus tôt parce que vous avez plu hors de la ferme, ce qui, je pense, les gens étaient nerveux au début et c’est fini être une bénédiction car cela a donné une sorte de soupapes de décharge tout au long du calendrier. Mais c’est un groupe extraordinaire de personnes qui se souciaient beaucoup les unes des autres. Sara [Polley] est un leader vraiment attentionné et formidable, et il n’y avait donc que quelques règles humaines de base, comme si quelqu’un devait s’arrêter, nous nous arrêtions, ou quelqu’un avait besoin de faire une pause et de régler certaines choses, nous l’avons fait. Nous avions un thérapeute disponible. Nous avons fait des promenades. C’était juste que tout le monde était, comme: « Soyons tous prudents et laissons de la place à tout ce qui pourrait arriver. »

Voyez-vous un fil conducteur dans tous les projets que vous entreprenez en tant que producteur ?

J’adore l’histoire, et je m’en soucie, et j’essaie toujours d’y venir de l’intérieur, ce qui signifie que je passe d’abord par le récit. Je suppose qu’avec le temps, parce que je suis vieux, une chose qui revient sans cesse — et je ne peux pas dire que j’en étais totalement conscient — c’est la complicité, à la fois bonne et mauvaise. Je m’intéresse à cela en tant qu’idée et en tant que quelque chose à vraiment étudier et à tenir à la lumière.

Sarah a été snobée dans la catégorie meilleure réalisatrice, à la grande surprise de tous. Pour vous, qu’est-ce que cela dit sur l’industrie dans son ensemble?

Évidemment, j’ai été extrêmement déçu. Je pense que c’est une grande absence béante. C’est regrettable. Elle le méritait. Je pense que tout le monde a remarqué l’absence et il y a eu une véritable surprise que la photo ait été nominée. Je sais que nous avons été surpris.

Interview éditée pour plus de longueur et de clarté.

Cette histoire est apparue pour la première fois dans un numéro de février du magazine The Hollywood Reporter. Pour recevoir le magazine, cliquez ici pour vous abonner.