Cooper Raiff a commencé la pandémie en remportant le premier prix du festival du film SXSW 2020 annulé par COVID avec son premier long métrage, Merde. Moins de deux ans plus tard, son deuxième effort – Apple Cha Cha réel lisse, qui suit un récent diplômé universitaire qui noue une amitié avec la jeune mère Domino (Dakota Johnson) et sa fille autiste, Lola (Vanessa Burghardt) – a été créée à Sundance. Raiff a parlé à THR sur l’écriture et la réalisation de son deuxième long métrage, le casting authentique et la découverte de la taille du film qui lui convient le mieux.

Qu’est-ce qui fait un bon film sur le passage à l’âge adulte pour vous ?

Quelqu’un qui veut grandir, quelqu’un qui veut faire mieux. Il y a beaucoup de films sur le passage à l’âge adulte qui ne sont pas centrés sur une personne qui veut mieux pour sa vie, et je ne suis pas intéressé par ces films. Je suis tellement intéressé par les films qui suivent quelqu’un qui essaie de faire de son mieux. Nous voyons ce qui les bloque, mais nous voyons à quel point ils essaient.

Vous avez fait Merde alors que vous étiez encore à l’université et que vous faisiez Cha Cha réel lisse quand vous étiez au début de la vingtaine. Êtes-vous attiré par le fait de raconter des histoires sur des personnes qui traversent des périodes de transition similaires ?

J’aime vraiment faire des films sur une personne que je n’ai pas encore vraiment changée. Je peux toujours m’accrocher à ces sentiments, et je me sens toujours si reconnaissant pour la relation ou c’est juste viscéral. Quand j’essaie d’écrire des choses sur des choses qui ont peut-être été supprimées une fois, je les écris et ensuite je les range. Mais quand j’ai l’impression d’écrire sur quelque chose dont je ne suis pas sûr, cela me fait peur et me rend plus enthousiaste à l’idée de passer tout le temps avec. Parce que faire un film est un processus tellement long. J’aime beaucoup écrire sur quelque chose à propos d’une personne qui se sent si proche de moi mais dont je ne sais pas grand-chose.

Y a-t-il déjà eu un moment où vous avez envisagé de choisir une actrice non autiste pour Lola ?

Non, il n’y en avait pas. Nous avons demandé à ne voir que des acteurs autistes.

Que diriez-vous aux cinéastes qui sont intimidés ou rebutés par un casting authentique pour un handicap à l’écran ?

« Pourquoi l’as-tu écrit ? » Je ne comprends vraiment pas pourquoi tu écris [the] personnage. Cela enlève le plaisir de savoir pourquoi vous faites ce que vous faites, pour moi. Vous essayez de faire quelque chose de grand au lieu de faire quelque chose de significatif, et ce n’est jamais ce que je veux. Cela n’a pas non plus de sens – si je me disais : « Qui est la meilleure personne pour Lola ? Probablement quelqu’un qui n’a rien à voir avec Lola, non ? » Non ce n’est pas. Je comprends que c’est décourageant. Il y a des réalités à la représentation. Mais, pour moi, ce n’est ni noir ni blanc. C’est comme: « Quelle est l’intention de votre cœur ici? » Il y a des moments où je comprends pourquoi cette personne a fait ce qu’elle fait, et le contrecoup [to their casting choices] ne se sent pas aussi réfléchi qu’il le devrait. Mais, pour la plupart, c’est un peu dégueu de lancer, par exemple, un lauréat d’un Oscar. Pourquoi fais-tu le film ? Avoir les meilleures performances de tous les temps ? Ou faites-vous quelque chose parce que vous vous souciez de montrer qui est cette personne et ce qu’elle traverse ? Parce que la façon de le faire n’est pas seulement d’obtenir ce brillant acteur, c’est de vraiment creuser profondément – ​​et c’est paresseux de ne pas le faire.

Vous ne jouerez pas dans votre prochain film. Votre style de réalisation a-t-il changé à cause de cela ?

Je remarque plus de similitudes [between just directing and acting and directing]. J’aime diriger le plus près possible des acteurs, donc je suis juste derrière la caméra. Lorsque je regarde un moniteur, je ne fais pas seulement confiance au fait que la caméra va capturer ce qui s’est passé dans la pièce. Il y a juste une énergie dans une pièce avec des acteurs qui ressentent des choses que vous pouvez ressentir et capter et, vous savez, « Oh, c’était ça. » C’est ce que j’ai aimé dans le fait d’agir et de réaliser, parce que le plus proche que je puisse être, c’est dans la scène. J’ai beaucoup appris sur la façon dont c’est relaxant et combien il est plus agréable de laisser des personnes talentueuses être si talentueuses et de ne pas avoir de pression sur moi pour être à leur niveau.

Dans une interview, vous avez parlé de vouloir trouver un « sweet spot » en termes de taille de films que vous souhaitez faire. C’est quoi pour toi ?

Je pense qu’il y a ce sweet spot d’un ensemble intime. Je parlais probablement du fait que je ne comprends pas pourquoi les gens ne font pas de films à un certain prix. Mais je pense que chaque film veut quelque chose de différent et [even] veut une taille d’équipage différente. La partie la plus importante, en tant que producteur, est de s’assurer que vous ne mettez pas une couverture. Peut-être qu’un film devrait être tourné en 30 jours. Peut-être qu’un film devrait être tourné en huit jours, car c’est la meilleure version de celui-ci, et il doit être dans cette cocotte-minute.

Avez-vous envie de faire un film à plus gros budget ou en studio?

j’aurai l’occasion [for] de plus gros projets sur lesquels j’essaierai de travailler et puis je réaliserai au fur et à mesure que je m’y intéresserai que je m’en éloigne de plus en plus. J’adore Ryan Coogler, qui a fait Gare de Fruitvale puis fait Credo. Quel énorme pas en avant, mais c’était tellement organique. Même chose avec Greta Gerwig, passant de Dame Oiseau à Petite femme. J’étais comme, « Oh, c’est ce qu’elle attendait. » Si je trouve un moyen d’entrer dans un livre très connu, j’essaierai absolument de le faire. Mais, en ce moment, je m’en tiens à des trucs plus petits.

Interview éditée pour plus de longueur et de clarté.

Cette histoire est apparue pour la première fois dans un numéro autonome de décembre du magazine The Hollywood Reporter. Pour recevoir le magazine, cliquez ici pour vous abonner.