À tout moment Le revenant vient dans la conversation, la discussion a souvent tendance à se concentrer sur les moments où le film est le plus bruyant et le plus explosif. Les projecteurs peuvent braquer sur la scène d’ouverture tendue où Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) et son équipe de commerçants de fourrures repoussent une attaque de la tribu Arikara. Ou peut-être que la discussion flotte sur le spectacle impressionnant de Glass chevauchant un cheval d’une falaise pour éviter la poursuite et se cachant à l’intérieur du cadavre pour se réchauffer. Plus célèbre encore, le public a loué le film pour la scène soudaine et éruptive dans laquelle Glass est attaqué par un grizzli, mutilé et brisé à un pouce de sa vie. Il est même bien connu pour son seul facteur vedette, étant le film où DiCaprio a finalement remporté son Oscar tant attendu. Avec tous les éloges qu’il a reçus au fil des ans, il est apparemment devenu un classique occidental moderne, mais est-ce pour les bonnes raisons ?
Utiliser le pouvoir des stars n’est pas un phénomène nouveau, mais lorsqu’il s’agit de spectacle d’action, le réalisateur Alejandro Gonzalez Inarritu est généralement connu pour le contraire. Des films comme homme-oiseau sont très lourds en dialogue et circulent autour du personnage principal, ses expériences se sentant très singulières et isolées. En conséquence, lorsque Le revenant est venu, il a été surpris et intrigué de manière à diviser. Les meilleures parties du drame de survie sont lorsque Iñárritu se concentre sur les moments de silence entre les moments d’action. Malgré le fait que le film bénéficie d’un casting impressionnant, avec DiCaprio, Tom Hardyet Domhnall Gleeson, l’objectif d’Iñárritu est de transformer les attentes d’une histoire de survie épique et bourrée d’action et de la transformer en ce qu’il fait le mieux : une étude poétique de personnages. Il a la tournure unique d’être une histoire vraie, et bien que légèrement fictive, elle est faite avec une intention délibérée, permettant à l’histoire de s’encadrer entièrement autour de Glass et de son histoire de survie, jusque dans les moindres détails atroces.
Le combat spirituel et physique de Hugh Glass
La cinématographie tournée par Emmanuel Lubezkisemblable à un autre de ses films, L’arbre de la vie, encadrez chaque élément de la nature et toutes les créatures qui s’y trouvent avec une touche de douceur. Cela contraste durement avec la violence à l’intérieur – une montagne silencieuse couverte de neige remplit l’écran, mais lorsque nous nous rapprochons de la montagne, un groupe d’hommes épuisés est vu en train de crier « heave » alors qu’ils tentent de porter leur ami mourant sur la pente . Alors que Glass rencontre des difficultés physiques, son voyage spirituel est évident dès le début du film. Le film s’ouvre alors que Glass parle à son fils Hawk (Forrest bonne chance), lui disant de se battre et de continuer à respirer aussi longtemps qu’il le peut en repensant à un moment où sa famille a été attaquée. La bataille psychologique de sa relation avec son fils par rapport aux hommes qui l’entourent et le défi physique de la survie en pleine nature reposent sur ses épaules.
La force centrale autour de laquelle tourne le film est la collision de ces deux côtés avec Hugh Glass, avec le préjugé auquel son fils Hawk est confronté aux mains de John Fitzgerald (Hardy), car ils sont laissés seuls à se débrouiller seuls. Lorsque son fils Hawk est tué aux mains de Fitzgerald et que Glass est laissé pour mort, ces deux côtés de lui se heurtent. Le revenant car un titre écrit peut être pris au sens littéral, car Hugh Glass a été mutilé jusqu’à la mort et est revenu d’une manière ou d’une autre, mais ce titre a un double sens. Si la définition précédente est précise, elle définit surtout le conflit principal du film après ce tournant. Lorsque Glass retrouve le capitaine Henry (Gleeson) et déclare : « Je n’ai plus peur de mourir. Je l’avais déjà fait », il ne parle pas de son propre contact avec la mort, mais plutôt d’une tragédie pire que la mort, la perte de ses proches.
Perte dans le désert
De nombreux moments tout au long du film montrent Glass aux prises avec cette perte des deux côtés de la médaille. À la fois aspirant à la vengeance alors qu’il grave « Fitzgerald a tué mon fils » sur le visage d’un rocher, et d’autre part, le choix d’une libération spirituelle alors qu’il rencontre un Amérindien dans le désert qui partage l’histoire de sa propre perte et déclare que bien que son cœur souffre, la vengeance n’est pas entre ses mains, mais plutôt pour le créateur.
Une autre relation importante entre Glass est le lien spirituel qu’il entretient avec sa femme. Il se souvient d’elle en revivant des souvenirs traumatisants de son meurtre, qui est utilisé comme un chemin pour renforcer le lien du film avec la foi et la spiritualité. Glass n’est jamais un homme extérieurement religieux dans le film, mais il est évident à travers la façon dont il est écrit que sa foi le porte tout au long de sa vie. Même après de nouvelles tragédies, il vit malgré ses blessures car il sent qu’il a besoin de se venger.
La vengeance est entre les mains de Dieu
Ici, à l’apogée du troisième acte, Iñárritu serre les deux forces opposées ensemble. Le nihilisme de Fitzgerald, se vantant devant Glass que rien de ce qu’il fait ne lui ramènera jamais son fils, agissant comme le diable sur son épaule lui chuchotant que quoi qu’il fasse, il ne trouvera jamais la paix, et le chemin imparable de Glass vers vengeance. La tribu Arikara, qui avait été à l’arrière-plan du film, accueille Glass de l’autre côté de la rivière, et Glass se rend compte que la vengeance n’est pas à lui. À ce moment, Iñárritu affiche l’histoire qu’il avait l’intention de raconter, une histoire épique qui reste à petite échelle, examinant le chagrin d’un homme et son éventuelle acceptation. Alors qu’il prononce les mots « La vengeance est entre les mains de Dieu. Pas le mien », il relâche son emprise sur son ennemi et lâche la colère et la haine.
La fin du film n’est pas concluante. Alors que Glass regarde la caméra, voyant à nouveau sa femme, la question est intentionnellement laissée aux téléspectateurs. Glass a-t-il survécu après que l’écran soit passé au noir ? Peu importe, car Glass a accompli son voyage spirituel. À travers la douleur et la souffrance magnifiquement présentées dans l’immensité de la nature, il a accepté sa douleur et le reste n’a plus d’importance. Hugh Glass peut se reposer paisiblement avec une sortie silencieuse.
